Introducción
La fotografía en blanco y negro sigue siendo uno de los géneros más populares del medio. Aquí, en la revista Digital Photographer, recibimos una gran cantidad de imágenes monocromáticas de fotógrafos de todo el mundo, lo que demuestra un aprecio universal por el poder de la simplicidad y los componentes fundamentales de una fotografía: la luz y la sombra. Si bien las imágenes en color pueden producir una recreación realista del mundo que nos rodea, el blanco y negro puede trascender lo natural o lo preciso como elementos esenciales de una escena y producir una representación única y visceral de lo que nuestros sentidos encontraron en el campo.
Esto puede deberse en parte al hecho de que, ya sea que esté usando una cámara para estudiar una escena o sus propios ojos, está viendo efectivamente en monocromo. Ambos dispositivos de imágenes solo "ven" la luz y la sombra, brillante y oscura. El sensor de una cámara digital y la retina de su ojo funcionan detectando diferencias en la intensidad de la luz, reuniendo esta información en un mapa de luminosidad, una disposición de puntos de brillo variable. Una imagen en blanco y negro.
Más: Cómo ver en blanco y negro
Toda la información de color debe agregarse más tarde, aunque aparentemente instantáneamente desde nuestra perspectiva, mediante el uso de pigmentos químicos en el sistema visual humano o el procesador de imágenes de una cámara digital. Por lo tanto, la fotografía monocromática ofrece la reproducción más auténtica de los detalles y nos permite explorar la forma y la forma de una manera que sería difícil con la interferencia del color.
Nuestros cerebros están afinados para notar el color primero, por lo que, cuando están presentes, debemos tener un cuidado especial para eliminar los tonos que distraen o que chocan de manera poco atractiva. El blanco y negro es posiblemente un medio más simple y puede liberarnos para examinar los contrastes de forma.
Aquí echamos un vistazo a algunos de los métodos profesionales para usar el monocromo al máximo, para imágenes que se destacan y exigen múltiples vistas.
1- Ver en monocromo
Lo más importante que debe recordar acerca de la fotografía en blanco y negro es que la falta de color no es una razón en sí misma para tomar una imagen. Sí, el monocromo puede verse como una novedad, ayudado en gran parte por la abundancia de filtros de fotos en aplicaciones móviles como Instagram, pero la conversión no es un truco barato ni una tarjeta para salir de la cárcel. Debe tener suficiente información sobre una escena para generar interés en primer lugar.
Si vas a presentar el mundo sin color, debes esforzarte más para mantener la atención del espectador. Al configurar una toma, observe los colores presentes y comprenda cómo funcionarán juntos como meros tonos. Un cielo azul proporcionará un fondo de contraste cuando se aplique un filtro rojo, por ejemplo, que también hará que las flores se destaquen sobre el follaje verde. Busque colores que contrasten en brillo para garantizar imágenes monocromáticas finales dramáticas.
2- Dispara para editar
Para los fotógrafos digitales, es casi seguro que la conversión en blanco y negro ocurrirá en la etapa de edición en lugar de en la cámara. Dado que la mayoría de los fotógrafos profesionales utilizarán el modo RAW, los ajustes preestablecidos de blanco y negro no se aplicarán, por lo que deben agregarse más adelante en el software. Por lo tanto, es útil tener en mente una idea de cómo planea procesar su imagen, para lograr un efecto dramático.
Una vez que sepa qué estilo de imagen desea como producto final, puede adaptar su toma para que coincida. Si desea crear una imagen de clave alta, ajustará su exposición en consecuencia. Si desea tener una fuerte presencia en el cielo, entonces el horquillado de sus tomas o el uso de un filtro ND Grad de hardware significará que su archivo ya está a mitad de camino hacia la imagen terminada. Tratar de aplicar ediciones opuestas al estilo de disparo siempre creará dificultades y disparos menos impactantes.
3- Contrastes de textura
Los contrastes de color y brillo son una gran parte de la fotografía y muchas personas optan por enfocarse en ellos para introducir profundidad en sus imágenes. De estos dos parámetros, en la fotografía en blanco y negro, solo te queda la luminosidad, que puede ser una gran fuente de dramatismo.
Sin embargo, puede reintroducir una dimensión secundaria y un contrapunto visual utilizando texturas contrastantes. Alargue la exposición a elementos en movimiento borrosos, como el agua, para proporcionar un contrapeso suave a las rocas o árboles afilados en el entorno circundante, por ejemplo. Si dispara a una pared de piedra, usar la velocidad de obturación para agregar desenfoque de movimiento a un árbol que se balancea agregará la energía perdida a través de la eliminación del color.
4- Llena la gama
En la era digital podemos preocuparnos por mantener los tonos de nuestras imágenes dentro de la escala del histograma. La captura digital puede ser bastante implacable con los detalles de las altas luces en particular, y el recorte se produce fácilmente si no vigilamos la exposición. Sin embargo, esto puede conducir al problema inverso: la falta de contraste.
Necesitamos asegurarnos de ver verdaderos negros y blancos en nuestras imágenes, para producir una tonalidad natural y dramática. Si bien es posible que deseemos evitar 255 blancos y un valor de negros de 0, que indica áreas sólidas y sin rasgos, asegúrese de no permitir que la sobreexposición de sombras o blancos se vuelva gris.
5- Usa el poder gráfico
Con la eliminación del color, nuestros ojos automáticamente comenzarán a prestar más atención a la forma y la forma. El color es una característica dominante, de modo que podemos dejar de notar la armonía o disonancia entre las formas en una escena, cuando miramos una imagen en color. Para un blanco y negro dramático, busque líneas y curvas para dividir sutilmente (o, a veces, no tan sutilmente) su marco. Un truco profesional común es contrastar ángulos rectos con arcos suaves, muy útil en tomas de arquitectura, o líneas que se cruzan, para crear fuertes límites de tonalidad. Un área brillante que cambia rápidamente a casi negro es una herramienta visual magnética y puede crear maravillosos estudios minimalistas.
6- Usa gradientes de luz
Además de las herramientas de composición habituales, como las líneas iniciales, las imágenes en blanco y negro se benefician de una clara variación de la luz. En una imagen monocromática, el degradado de un área brillante a una zona oscura es mucho más reconocible y puede ser la fuente de dirección dentro del marco. Esté atento a las fuentes de luz que se pueden colocar para establecer un camino a seguir por el ojo, que siempre será de oscuro a claro. Si necesita que su espectador escanee a lo largo de una calle, coloque una fuente de luz cerca del área de importancia, lo que garantizará que su audiencia se concentre en el tema, al tiempo que toma nota mental de los detalles secundarios en el encuadre.
7- Controla el marco
Una fotografía es un portal a la escena capturada en ella. Los lados del marco aíslan el contenido visible en el visor y le asignan un nuevo contexto. Por tanto, es importante elegir las dimensiones de este encuadre, que puede alterar enormemente la forma en que se representa al sujeto. Para escenas simples, debemos asegurarnos de que cualquier intención minimalista sea clara, lo que implica regular la cantidad de espacio negativo presente. Es por eso que las imágenes cuadradas funcionan bien para este tipo de composiciones.
Cuando desee centrarse en las diferencias entre la textura y la luz en el primer plano y el fondo, una toma en formato de retrato 3: 2 será ideal. Mientras tanto, intente usar 4: 3 o 5: 4 donde ya tenga un buen equilibrio de interés en todas las áreas de la escena y desee mostrar el primer plano y el fondo en una medida relativamente igual.
8- Comprometerse con el proceso
Las técnicas de edición digital hacen que sea más fácil que nunca aplicar efectos especiales, tonos de color y selecciones basadas en croma a nuestro trabajo. Sin embargo, esto a menudo lleva a los fotógrafos a olvidar la verdadera razón por la que querían hacer una imagen monocromática en primer lugar.
Si bien estos efectos especiales pueden agregar una dimensión adicional y hacer que las imágenes sean menos predecibles, pueden comenzar fácilmente a hacer que el creador parezca indeciso. Los efectos de salpicaduras de color rara vez agregan narrativa y, a menudo, parecen baratos. El ojo se sentirá instantáneamente atraído hacia el área coloreada, sin ningún otro detalle que desee que el espectador vea y el contraste antinatural probablemente será desagradable. Haga su toma en color o en blanco y negro, ¡no ambos!
9- La revelación
Otra forma de agregar contrastes a sus tomas monocromas y crear una sensación de profundidad es ocultar y revelar detalles nítidos. Por supuesto, esto se puede hacer con poca profundidad de campo, pero, cuando esté disponible, se puede usar niebla, niebla e incluso neblina de calor para configurar un gradiente de textura. Se verán más detalles en primer plano y luego se reducirán gradualmente, moviéndose más profundamente en la imagen. El ejemplo perfecto de esto es un camino forestal que se desvanece en un fondo brumoso. Es una técnica común pero que funciona bien en ausencia de color, para llamar la atención.
10- Usa iluminación lateral
Cuando una imagen carece de un color diferente para separar objetos discretos, estos pueden mezclarse fácilmente entre sí si no se tiene cuidado con la exposición. Cuando dos áreas son similares en términos de valor tonal, pueden ser difíciles de distinguir entre sí, pero cuando hay una diferencia de color, el contraste es más obvio. Para reintroducir esta separación, busque iluminación lateral o de borde para resaltar los límites entre los objetos y evitar áreas de espacio aparentemente vacío. Esto es particularmente relevante en escenas de bajo perfil, donde prevalecen los tonos oscuros. Use poca luz solar o un flash fuera de la cámara para controlar la iluminación y mantener la forma y la forma.
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