Desde Alfred Hitchcock hasta Kate Moss, el célebre retratista Albert Watson ha capturado algunas de las figuras más emblemáticas de la vida moderna durante sus 50 años de carrera. Ahora está a punto de publicar un libro con 100 de sus imágenes más conocidas que saldrá a la venta el 21 de mayo.
El libro de 128 páginas, llamado Creating Photographs, está siendo publicado por Laurence King bajo su serie Masters of Photography, por $ 19.99 / £ 14.99.
El libro ofrece una guía, además de fascinante, detrás de las historias de algunas de las sesiones de fotos más famosas de Watson con superestrellas internacionales. Con algunas de sus imágenes seminales, incluidos los retratos de Andy Warhol, Mike Tyson y Mick Jagger, el libro presenta una mirada amplia a la carrera de Watson mostrando su excelencia artística a través de sus retratos de celebridades, fotografía de moda y paisajes y diarios de viaje.
La entrevista de Albert Watson
La siguiente entrevista con Albert Watson se publicó originalmente en la revista Professional Photography en 2016. Estaba conversando con Emma-Lily Pendleton.
"¿Por qué no?" pregunta Albert Watson. Arte, moda, paisajes, fotografía comercial que incluye 100 portadas de Vogue y 40 para la revista Rolling Stone: Albert Watson es prolífico y diverso en su creación de imágenes icónicas. “Tenía un gran amor por la fotografía. Los disfruté todos, así que los hice todos ”, explica. Los retratos de Alfred Hitchcock y Steve Jobs se encuentran junto a los artefactos del rey Tutankamón y los paisajes de la Isla de Skye, y su archivo continúa expandiéndose: "Tenemos una gran historia que sale hoy con Japanese Vogue". Mientras termina sus preparativos para el St Moritz Masters Show, el fotógrafo escocés de 72 años, que nació ciego de un ojo, hace una pausa para hablar sobre los 46 años de fotografías limpias, gráficas y llamativas que lo han convertido en un moderno. icono de día.
¿Cómo llegaste a tu estilo limpio y gráfico?
“Me formé durante cuatro años como diseñador gráfico y luego fui al Royal College of Art durante tres años en la escuela de cine. Entonces, si miras el trabajo, simplemente se divide en tres categorías: gráficos, películas o una combinación de gráficos y películas juntas. Una combinación de diseñador gráfico y director fue en realidad la formación perfecta para convertirse en fotógrafo. La escuela de diseño gráfico fue mi toque con la fotografía y estaba en el cuarto oscuro de ese período. Eso es solo el entrenamiento de alambiques que tuve ".
¿Qué tan involucrado está ahora en su impresión?
“Estoy involucrado al 100 por ciento. Entonces, si ves una impresión, la hice. Hemos hecho de todo, desde la impresión de platino hasta la gelatina de plata y luego las impresiones de pigmentos, las únicas impresiones que no hacemos físicamente en este estudio, pero hacemos los archivos y las impresiones maestras aquí, son las impresiones de tamaño jumbo. Eso es en lo que trabajamos la mayor parte del tiempo ahora. Hace unos ocho o nueve años comenzamos a cambiar el énfasis de alrededor del 88 al 89 por ciento de los disparos; ahora está mucho más cerca del 85 por ciento de impresión ".
¿Porqué es eso?
“Es por elección, decidí convertirme en impresor, de verdad. Además, al disparar menos, lo que hice fue mucho más específico. Soy yo quien decide lo que estoy filmando, cómo se imprimen, cómo ensamblo todo después. Hoy en día, en la mayoría de los trabajos que hago, estoy bastante cerca de tener el control al 100% ".
¿Crees que todos los fotógrafos profesionales deberían imprimir su propio trabajo?
“La elección depende de ellos, pero creo que es una locura no hacerlo. Se lo digo a los fotógrafos todo el tiempo. Están en Nueva York y dicen: "Tengo una muy buena impresora; envío todas mis cosas a Los Ángeles". No tiene sentido para mí. Puedo darte muchos argumentos muy sólidos en contra: es la interpretación de alguien, ¿por qué no hacerlo tú mismo? Una vez que ocurrió la revolución digital, trajimos todo en casa. Cuando veas una de mis impresiones y te guste, puedes decir que hice un buen trabajo. Si ves uno y no te gusta, puedes decir que lo arruiné, no una impresora en Los Ángeles ".
Tenemos tu imagen de Mick Jagger para nuestra portada, ¿cuál es la historia detrás de ella?
“Fue algo bastante sencillo lo que sucedió. La toma que estaba planeada era para el 25 aniversario de la revista Rolling Stone e iba a hacer una toma de Mick Jagger conduciendo un Corvette con un leopardo en el asiento de al lado.
Tuvimos un problema: esto era antes de la tecnología digital, y hoy en día solo se disparaba al leopardo y se disparaba a Mick Jagger y se los ponía juntos, pero en ese entonces lo hacíamos de una sola vez y resultó que el leopardo era bastante peligroso. Tuvimos que construir una mampara de vidrio entre Mick Jagger y el leopardo para que el leopardo no pudiera alcanzarlo. Cuando estábamos construyendo eso, tuve la idea de hacer una doble exposición de él y el leopardo. Fotografié al leopardo y estaba muy quieto porque el entrenador estaba detrás de mí, tenía golosinas para el leopardo, pequeños trozos de carne.
En el visor de la cámara Hasselblad dibujé con un marcador de porcelana donde estaban los ojos y la boca del leopardo, luego rebobiné la película y la restablecí al principio y la coloqué en la misma posición. Pensé: "Bueno, esto nunca funcionará". Solo estaba jugando con el tiempo. Luego coloqué a Mick Jagger en la cara del leopardo; los ojos eran una combinación perfecta y volví a disparar los 12 fotogramas. Casi nunca procesé la película, pero decidí simplemente colocarla. Y de los 12 fotogramas, cuatro coincidían. Fue solo una suerte, es solo una doble exposición ".
Tu fotolibro de 1994, Cyclops, se ha convertido en un codiciado coleccionable. ¿Fue importante para ti la publicación de ese libro?
“Sí, creo que la gente tenía dificultades con mi trabajo: nunca sabían si era fotógrafo de moda o reportaje, fotógrafo de retratos o celebridades, o de bodegones… No pudieron manejarlo. Tenía un gran amor por la fotografía, así que disfruté haciendo paisajes, disfruté haciendo bodegones, disfruté haciendo celebridades, retratos, personas reales y también la moda, lo cual hice durante mucho tiempo. Los disfruté todos, así que los hice todos. Y luego, cuando vine a Cyclops, querían convertirlo en un libro de celebridades, lo que yo no haría. Para combatir eso, terminamos invirtiendo mucho dinero en el libro y recuperamos considerablemente el control del editor ".
¿Para que pudieras mostrar los diferentes géneros?
“El editor dijo que la gente no entendería el libro porque era una mezcla de cosas, pero yo siempre doy el mismo ejemplo: si estás viendo las noticias de las 6:00 p. M. Y pasas el canal y ves una vieja película de Stars Wars, no No tengo ningún problema con eso, lo vuelves a mover y es un partido de fútbol. Nadie se asusta. No debería tener problemas para leer un libro como ese. Al final, Cyclops cambió las cosas enormemente para nosotros. Finalmente, la gente entendió lo que estábamos haciendo aquí: era un amor general por la fotografía. Y si lo miras, en realidad se divide en tres categorías: gráficos, película o una combinación de película y gráficos juntos ".
¿En qué momento comenzaste a fotografiar celebridades?
“La primera celebridad que fotografié fue Alfred Hitchcock, fue divertido de hacer. Entiendes la importancia de una celebridad frente a la cámara: tiene su propio peso de una manera que a veces una simple imagen no lo hace. Lo reconoces y se convierte en un componente importante, el aspecto de la celebridad. He hecho tantas celebridades, tantas portadas de álbumes, tantos carteles de películas … "
¿Cuál ha sido el día más loco de tu carrera?
"Bueno, hay uno muy conocido que suena absolutamente falso. Hice una sesión en París temprano en la mañana, una versión de Vogue francesa con Catherine Deneuve, y luego llevé el Concorde a Nueva York, llegando a las 10.30 a. M. Trabajé todo el día en Clairol haciendo cosas de productos para el cabello y luego me fui a las 4.45 pm y fui al aeropuerto. Tenía dos estudios: uno en Nueva York y otro en Los Ángeles. Fui directamente al estudio en Los Ángeles y fotografié a Frank Zapper, el músico. Cuando terminé, habían pasado 24 horas completas desde París. Pero lo único que notarías es la diferencia horaria de ocho horas entre Pairs y LA, y yo estaba en el avión por una gran parte de eso. En el vuelo de Nueva York a Los Ángeles dormí en el avión y así fue como pude hacerlo ".
¿Era eso típico?
"No no. Hacer dos rodajes en un día desde París, Nueva York a Los Ángeles es bastante ridículo. No sé si alguien más ha hecho eso alguna vez. Quiero decir, no quieres hacer eso. Si miro hacia atrás en mi carrera y me pregunto si cometí algún error … sí, hice demasiadas cosas. Si hubiera bajado un poco la velocidad, creo que la fotografía habría sido mejor ".
¿Alguna vez ha tenido momentos difíciles como fotógrafo?
“Mucha gente me pregunta eso. Creo que los únicos momentos difíciles fueron al principio. Creo que hubo un colapso en el que haría una toma el lunes y pensaba, 'Wow, eso es genial'. Creo que había creado la Capilla Sixtina. Luego, el martes llegaría la película y me decepcionaría un poco. El miércoles miraba los contactos y terminaba tirándolos. La avería fue técnica. Lo vi de una manera particular, pero no tenía las habilidades para iluminarlo. Creo que la mayoría de los fotógrafos pasan por eso, o deberían pasar por eso. Estuve probando todo el tiempo ".
Llevas mucho tiempo aquí. ¿Qué te molesta de la industria?
“Lo que más me molesta es cuando trabajas con personas y no tienen suficiente conocimiento. Es frustrante, a veces hacerlo durante 40 años no te hace asombroso, en absoluto, pero te da una cierta conciencia de las cosas. Le permite pasar del Plan A, cuando no está funcionando, al Plan B, o C, D, E, F, G; tiene un plan de respaldo más grande para cuando las cosas van mal ".
Cuáles son sus planes para el futuro. ¿Tiene planes de jubilarse?
“Los fotógrafos no, creo que es una ley … es como dicen los alemanes: verboten. La mayoría del planeta llega a los 65 o 70 y dice: "Gracias a Dios, aquí estoy ahora, puedo retirarme en una playa en alguna parte". Llegué a los 65 y estaba haciendo cinco millones de cosas. Y llegué a los 70 y estaba en medio de hacer seis millones de cosas. La fotografía es una elección. Si le dijeras a la mayoría de la gente que no tenían que trabajar un día debido a un corte de luz, dirían, '¡Yippee!'. Con la mayoría de los fotógrafos reales, no están diciendo, '¡Yippee!' "
Es fantástico que todavía te sientas así por tu trabajo. Mirando hacia atrás, ¿tienes favoritos?
“Probablemente sea Alfred Hitchcock porque, en ese momento, no tenía ningún trago que se viera así, con el ganso… era para una receta que él, Alfred Hitchcock, le estaba dando a la revista para el número de Navidad sobre cómo cocinar un ganso. Una vez que hice esa toma, nunca se detuvo … hasta el día de hoy ".
Tu imagen de Kate Moss fue acreditada como el primer desnudo de ella …
“Fue tomada en su decimonoveno cumpleaños en Marrakech y estuvo fantástica. Trabajé con ella de 7 am a 9:30 pm por la noche. Durante catorce horas y media, y al final del día me dijo: "Tengo algo que decirte: hoy era mi cumpleaños". Nunca se quejó ni una vez. Cuando hice esa toma, dije: 'Imagina que eres un hada en el bosque', lo que suena un poco cursi pero, 'Como un elfo, agachándose, comenzando a entrar en acción o buscando a alguien'. Ella lo hizo. perfectamente."
¿Cuál consideras tu mayor éxito?
“Es una expresión aburrida, pero creo que el éxito fue que me mantuve firme. Me apegué a lo que me gusta hacer. Pasaría de fotografiar alta costura en París a un avión a Egipto, donde estaría en el sótano del museo de El Cairo fotografiando la ropa personal de Tutukamen. ¿Y por qué no? ¿Por qué no pasar de la alta costura a Tutukamen y luego terminar volando de regreso a Milán y hacer una campaña de Prada, y luego a Los Ángeles para hacer un póster de película? Me mantuve firme ".
Quiero saber si tiene algunas palabras de sabiduría para los recién llegados a la industria.
“Hay una pureza en las fotógrafos: entran en el negocio de la fotografía amantes de la fotografía. Hay algunos hombres que entran en la fotografía por amor al equipo, por amor a las cámaras. Lo digital es una combinación perfecta para esos tipos. Mi padre pasaba 12 horas trabajando en un automóvil un sábado y luego llevaba a mi madre a dar un paseo de 15 minutos, es así. Creo que deben tener cuidado. Tuve que aprender a resolver cosas técnicas y fue un verdadero lastre, no fue cómodo y no me gustó, pero tuve que hacerlo para mejorar. Creo que mucha gente piensa que soy técnico, pero no lo soy: cientos son más técnicos que yo. Tienes que confiar en tu pasión por la fotografía. No entienden por qué sus fotografías no mejoran, a pesar de su gran conocimiento técnico. La falta de observación a veces es increíble; que pueden ser tan detallados en el equipo y menos detallados en una simple fotografía que tienen frente a ellos. Nunca tienes que decirles eso a las fotógrafas ".
Ha fotografiado cientos de portadas de revistas, publicado muchos libros, montado numerosas exposiciones: ¿cuál es su forma favorita de consumir su trabajo?
“Creo que mi forma favorita, como impresor, es simplemente la impresión en la pared: puedes acercarte a ella y pasar todo el tiempo que quieras mirándola. No es una interpretación digital en un iPad. Un iPad está bien, una computadora está bien, pero después de un tiempo hace que muchas imágenes se fusionen. Cuando están en la pared, cuando la impresión es buena, eso no debería suceder ".
¿Cuál es su opinión sobre la educación en lo que respecta a la fotografía profesional?
"Estoy un poco anticuado acerca de lo que creo que debes saber cuando lo haces. Creo que deberías venir como fotógrafo y poder hacer muchas cosas diferentes: iluminar el estudio, iluminar el exterior, usar luz artificial, usar luz natural, usar luz artificial con luz natural. Creo que es tu trabajo como fotógrafo saber todas estas cosas. Por supuesto, hoy en día, cuando las cosas son digitales, etc., es un problema menor porque lo digital ayuda mucho a los fotógrafos. Pero creo que debería saber lo que está haciendo, no debería sorprenderse por nada ".
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