Necesita saber cómo editar videos, no solo cómo grabarlos. Los dos están tan estrechamente relacionados que necesita saber cómo debe verse su película terminada incluso antes de comenzar a grabar, y estos consejos de edición de video están aquí para ayudarlo.
La acción ha terminado, el rodaje está terminado y todo el metraje se ha capturado con éxito en la cámara. Pero la edición es cuando la historia realmente se junta. Es donde las imágenes, el audio, la música, la gradación de color, la ingeniería de sonido y los gráficos convierten los materiales básicos en una película terminada que está lista para ser vista y disfrutada.
El arte de editar no se trata de qué programa usas, LUTs que agregas o gráficos que creas. Se trata de decidir qué tomas usar y cuáles descartar, cómo encajan las tomas elegidas y cómo usas el sonido para unir el aspecto general y la sensación.
El éxito de la realización de películas se trata de contar historias. Las grandes producciones dramáticas de Hollywood o Netflix tienen a cientos de personas disponibles, creando todo para encajar en la visión del director. Desde asegurarse de que los colores de la ropa que usa el elenco coincidan con el diseño de la escenografía hasta verificar que no haya errores de continuidad y que el diálogo y la caracterización sean totalmente creíbles, es una operación importante. Puede que no puedas darte el lujo de cosas así en tu producción, y es probable que filmes tu propio material y lo edites, tal vez como parte de un pequeño equipo. Pero sea cual sea el tamaño o la escala del proyecto, todo termina en una suite de edición donde se realiza el corte final de la película. Aquí está nuestra guía de principios básicos de edición.
1. Dispara siempre para editar
Cuando las películas se rodaron en película real que costó una fortuna procesar, muchos cineastas fueron, con razón, muy frugales en cuanto a la cantidad de metraje que filmaron. Pero hoy en día, con las cámaras digitales de alta resolución, es fácil seguir filmando, por lo que tiene mucho más metraje de lo que realmente necesita. Atasca los discos duros y consume tiempo de edición. Pero no es bueno tener muchas imágenes de la misma parte de la escena. Una variedad de ángulos y puntos de vista facilitan mucho la edición final. Tomas bajas, tomas amplias, tomas desde arriba: cada toma ofrece otra opción. Un buen cineasta piensa en cómo las tomas pueden o podrían usarse en la edición a medida que se planea y se rueda la filmación.
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2. Obtenga las tomas correctas
La mayoría de las escenas necesitan una variedad de tomas. Por lo general, se necesita una toma amplia y estable para darle al espectador algo de contexto. Luego, algunas tomas de rango medio y primeros planos para contar la historia. Y cuando cada vez que estás cortando entre dos cámaras diferentes, la posición de la cámara debe cambiar al menos 30 grados entre tomas o de lo contrario parece un error. Para una secuencia de acción, es mejor disparar desde dos posiciones de cámara diferentes para que pueda cortar entre ellas en la edición. Y trata de ceñirte a la regla de los 180 grados en la que imaginas una línea entre dos sujetos que están hablando y la cámara siempre permanece en un lado de esa línea. Entonces, en la edición, parece que están hablando entre sí, en lugar de que ambos estén mirando de la misma manera.
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3. No seas valioso
A menudo, las tomas más difíciles que son visualmente impresionantes pueden no ser ideales para contar la historia. Así que no seas valioso por las increíbles imágenes que has filmado, porque la historia es lo importante. Elija los clips que muestren la acción esencial para ayudar a contar la historia. Cualquier otra cosa se puede dejar fuera. Eso no significa que todas las tomas sean iguales, ¡ni mucho menos! Intente mostrar algo nuevo con cada corte, como un sujeto diferente, o una vista alternativa de la escena, como una toma más amplia o más ajustada o desde una posición de cámara diferente. Al cortar, varíe el tamaño y el ángulo del disparo. No corte entre dos tomas similares de la misma cosa.
4. Piense en el ritmo
Al editar sus tomas, una máxima es que cada toma debe permanecer en la pantalla durante el tiempo justo, el tiempo suficiente para que el espectador comprenda lo que está sucediendo, pero no demasiado para que se aburra. Por lo tanto, es mejor mantener breves los primeros planos o las tomas simples sin ningún movimiento. Pero es mejor dejar las tomas amplias con muchas cosas o escenas llenas de acción con varios sujetos para que el espectador comprenda lo que está sucediendo. Piense también en el ritmo. Muchas tomas cortas y entrecortadas no van bien con tomas más largas y lentas. El ritmo realmente puede afectar la forma en que los espectadores perciben la película.
5. No se ponga demasiado elegante con la edición llamativa
A menos que esté haciendo un video pop para una banda de rock de alto ritmo o tal vez un comercial de acción de deportes extremos, a menudo es mejor ceñirse a los cortes y transiciones convencionales que coinciden con el ritmo de la película. Los cortes estándar están bien para muchas tomas en las que la acción continúa de una escena a otra. Una disolución cruzada, donde una toma se desvanece en otra, a menudo se usa para mostrar que se ha omitido un breve espacio de tiempo o parte de un viaje. Las transiciones y borrados llamativos, muchos de los cuales vienen de serie en muchos programas de edición, pueden verse rápidamente de mala calidad y efectistas.
6. Aprende a amar la cámara lenta
La cámara lenta es una de las mejores formas de agregar algo especial a sus películas, ¡y también se puede usar para enmascarar imágenes inestables! La mayor parte de la cámara lenta se realiza grabando a una velocidad de fotogramas más alta en la cámara y luego se ralentiza en su programa de edición. Si está editando en una línea de tiempo de 25 fps pero ha disparado a 100 fps, puede reducir la velocidad a cámara lenta 4x, por ejemplo. Por supuesto, el audio ralentizado es inútil, por lo que debe usar algo para enmascararlo. La rampa de velocidad es una buena técnica para dominar, donde el movimiento comienza a velocidad normal, luego se ralentiza para que el pico de la acción sea en cámara lenta, luego vuelve a subir a velocidad normal.
7. Todavía se trata del audio
Todos los cineastas saben que un buen sonido es esencial para cualquier película. El audio de los sujetos que hablan, o de la maquinaria que trabaja en una película sobre la industria, por ejemplo, es crucial, por supuesto, y debe grabarse de manera experta sin picos. Pero también es vital grabar alguna pista salvaje, a menudo llamada tono de sala o simplemente ambiente, para usar en clips para que no te quedes solo con el silencio. En el drama narrativo, la ingeniería de sonido proporciona una increíble variedad de ruidos y efectos para ayudar a contar la historia. En el documental, no tenga miedo de usar efectos de sonido y ruidos si no puede grabarlos de verdad. Como olas rompiendo en una playa, una computadora imprimiendo, una alarma sonando, pájaros cantando o una multitud vitoreando.
8. Clava esos colores
Los colores y los tonos afectan nuestro estado de ánimo y hacen que las historias sean más fáciles de contar. Sin embargo, antes de profundizar en los estilos y las notas sutiles, es importante que los colores de la película sean naturales y estén bien combinados. Cada toma debe ajustarse en términos de brillo, contraste, exposición y balance de blancos utilizando las herramientas de color de su software. Es especialmente importante hacer coincidir las cosas cuando se usan diferentes cámaras y lentes en un proyecto o en diferentes condiciones de iluminación. Tomar una tabla de colores antes de cada toma hace que esto sea mucho más fácil. Solo entonces debería considerar usar un grado de color, o incluso un LUT, que afecte los tonos y colores del metraje para darle un cierto estilo. En caso de duda, ¡los colores neutros siempre funcionan!
9. Sea fácil con gráficos y títulos
La mayoría de las aplicaciones de edición vienen con una gran cantidad de plantillas para que las use. Leyendas de tercios inferiores, títulos, efectos que hacen que su metraje parezca filmado con una videocámara de los años 60, todo está disponible con un clic. Y navega por Internet y hay cientos más de estos temas, transiciones, estilos y títulos que puedes comprar para conectarlos a tu editor de video. Algunos son geniales y se pueden ajustar, otros son muy efectivos. Así que utilícelos con precaución. Gráficos simples y títulos en tercios inferiores en una fuente fácil de leer ayudan a contar la historia de lo que está sucediendo en la pantalla.
10. Elija el NLE correcto
Un NLE (editor no lineal) es el software de edición que se utiliza para cortar su proyecto. Algunos son gratuitos, como Windows Movie Maker o iMovie si tienes una computadora Mac. Pero para obtener más control y ediciones de aspecto profesional, es mejor invertir en Final Cut Pro X para Mac, o Adobe Premiere Pro y After Effects para Mac o PC con Windows. Todos estos son relativamente fáciles de usar pero ofrecen un flujo de trabajo totalmente profesional. Una alternativa es DaVinci Resolve de Blackmagic, que se puede descargar gratis para la versión básica, que es más de lo que la mayoría de los cineastas realmente necesitan. Resolve es el estándar de la industria para la corrección y gradación de color, y se puede utilizar como un programa de edición independiente. Es complejo, pero puede dar resultados asombrosos.
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