Imagen: Miles Aldridge
DCW: Aparte del cambio a digital, ¿cómo ha cambiado la fotografía desde que empezaste?
MA: Muchas cosas han cambiado desde que tomé una cámara para convertirme en fotógrafo profesional. Todavía filmo en película, aunque lo haré en digital si es un factor decisivo para un cliente determinado. Pero uno de los mayores cambios es que trabajo mucho menos en publicidad convencional, y creo que eso sucedió debido al crecimiento de las redes sociales.
Los clientes que solían gastar sus presupuestos en grandes sesiones fotográficas ahora lo gastarán en una mezcla de eso y las redes sociales. Creo que la mayoría de la gente estaría de acuerdo en que la inversión en fotografía publicitaria es, y me arriesgo a adivinar aquí, solo alrededor del 10% de lo que era hace 20 años. Es un paisaje muy diferente.
Cuando comencé, las revistas eran muy animadas y emocionantes. Antes de Internet, las revistas dominaban al consumidor y esa era una de las principales formas de transmitir su mensaje. Una vez que Internet despegó y comenzó a prometer a los clientes que podría enfocar a su público objetivo, e incluso dar retroalimentación sobre cuántas personas vieron sus anuncios, etc., la propuesta de un anuncio de revista se volvió cada vez menos atractiva. Por supuesto, las revistas hicieron todo lo posible para recuperar a los anunciantes, ofreciendo tarifas cada vez más baratas, me imagino. Ahora, ya no es la parte más importante de la campaña publicitaria de nadie.
Cuando comencé, la situación era clara: si fueras un buen fotógrafo editorial e hicieras muchas editoriales para las revistas adecuadas, Vogues, etc., obtendrías muchas campañas publicitarias para rodar. Y el dinero que ganó con las campañas publicitarias también podría gastarse en hacer que sus editoriales se vean aún mejor porque las revistas no apoyaban realmente a los fotógrafos. Habría un presupuesto básico, pero si quisieras hacer algo especial, como siempre lo hice, tendrías que pagarlo tú mismo.
Ese tipo de dinámica estaba ahí cuando comencé, y se mantuvo así hasta que Internet se estableció. Si hojea revistas de mediados de los noventa, verá que la publicidad es mucho más agresiva, audaz e inusual. Incluso diría artístico. Ahora, todas las imágenes publicitarias parecen haber sido tomadas por el mismo fotógrafo. Ahora hay una especie de requisito básico de fotografiar el atuendo o lo que sea. No hay ningún interés real por parte del cliente de publicidad en tener algo artístico, diría yo.
¿Crees que hay un elemento en el que la gente no quiere correr los mismos riesgos que antes?
Bueno, no pueden. Creo que cuando la industria se llena de miedo, una recesión tras otra, o las promesas de Internet de darles mucho dinero a estas marcas, se vuelve bastante vacío. El miedo que esto infunde en las personas que invierten en estos proyectos les hace pensar que quizás no funcione, por lo que es mejor que no lo estropeen, y por lo tanto no vale la pena arriesgar nada. Creo que cuando estás en una situación como esa solo crearás un trabajo muy, muy suave. Entonces sí, para responder a tu pregunta, creo que a la gente le aterroriza hacer imágenes arriesgadas o interesantes.
Además, si se remonta a unos 20 años atrás, el mercado no era tan global como lo es ahora, y la misma imagen tenía que atraer a una audiencia en Arabia Saudita, India o África. Cuando su audiencia es tan grande, tiene el efecto de diluir lo que es aceptable desde un punto de vista visual. Lo que nosotros, o yo, podríamos encontrar interesante en una imagen, porque se relaciona con una película o un teatro donde las referencias culturales son muy claras, podría no ser entendido por alguien en Arabia Saudita, por ejemplo, y pueden sentirse insultados por ello. Por lo tanto, los anunciantes deben jugar con cuidado en lo que muestran.
"Creo que a la gente le aterroriza hacer imágenes arriesgadas o interesantes".
Miles Aldridge
Una de las cosas que realmente ha cambiado desde que comencé con la fotografía es que la fotografía publicitaria se ha vuelto realmente poco interesante. Cuando comencé, ciertas marcas de moda como Jil Sander eran el objetivo absoluto. Jil Sander era vista como la Capilla Sixtina de la fotografía de moda, la que todo fotógrafo quería conseguir. No creo que haya ninguna campaña publicitaria de moda destacada que cualquier fotógrafo crea que valga la pena hacer en estos días, aunque, para ser justos, Gucci todavía se ve bastante bien.
Fotografiaste las estrellas de Game of Thrones para la revista TIME recientemente. ¿Cómo surgió la idea? Esto es bastante diferente de lo que es conocido. ¿Hiciste eso en respuesta al cambio de la industria de alguna manera?
He hecho imágenes del mismo tipo de forma intermitente a lo largo de mi carrera. Había una imagen que hice llamada Like a Painting for Italian Vogue en 2008, y esta fue inspirada por un pintor renacentista llamado Pisanello. El proyecto de Game Of Thrones en 2017 se inspiró principalmente en un pintor del Renacimiento del Norte llamado Lucas Crannach, pero también se inspiró ligeramente en Albrecht Dürer, el otro gran pintor del Renacimiento del Norte. Puedo inspirarme en películas, libros y pintura, y soy un amante de la historia del arte; si es inspirador, me complace tomar una referencia de algo que tiene 500 años o más. Creo que siempre es importante darle un toque de Miles Aldridge, por lo que nunca querría simplemente hacer una fotocopia directa de una pintura; no creo que eso sea interesante. Siempre me gusta aportar un elemento de mi trabajo más conocido, incluso si tiene una referencia antigua o antigua.
En la sesión de Game Of Thrones, trabajé muy duro con el escenógrafo para tener telas que fueran más amapolas, con una paleta de colores más amplia, para darle un toque moderno a estas imágenes históricas. Debido a que GOT es fantasía y ficción, basada en este universo paralelo, traté de pensar en una forma de hacer retratos tanto de manera singular como grupal que hiciera referencia a lo que se trataba GOT, pero también para agregar algo diferente. Entonces, uniéndolo a esta tradición del Renacimiento del Norte de estos retratos muy simples, con un elemento simbólico como una flor o una fruta. Hay una pintura muy famosa de Leonardo da Vinci de una niña sosteniendo una comadreja, por ejemplo.
"Si es inspirador, estoy muy feliz de tomar una referencia de algo que tiene 500 años o más".
Miles Aldridge
Ese era el tipo de reglas, siempre que las adoptara, podía adaptar la imagen usando mi iluminación, color y claridad característicos. Eso es algo que comparto con esos artistas: tenían un ojo obsesivo para registrar los detalles. La forma en que ilumino, y la forma en que uso mi cámara, significa que capturo una cantidad extraordinaria de detalles, similar a una pintura del Renacimiento del Norte de ese período.
¿Dirías que las pinturas te influyen más que las obras de otros fotógrafos?
Ciertamente he sido influenciado por otros fotógrafos como Helmut Newton, Guy Bourdain, Irving Penn y Richard Avedon. No solo encuentro interesante la imagen que hicieron, sino también la forma en que sus carreras se movieron entre el trabajo para revistas y proyectos personales. Avedon trabajó en exposiciones y libros, al igual que Newton y Bourdain. Avedon también hizo mucho trabajo político. Encuentro sus carreras inspiradoras, y algunas de sus imágenes son realmente asombrosas, pero creo que si solo te inspiras en otros fotógrafos probablemente solo tendrás un poco de éxito con esa táctica.
Más que ser siempre fotógrafo, siempre quise ser cineasta o director, y siempre me inspiraron mucho las imágenes que podía ver en el cine. Cuando tuve la oportunidad de ser fotógrafo, aunque tenía a otros fotógrafos como algunos de mis héroes, estaba muy emocionado de poder hacer también fotografías que parecieran imágenes fijas de las películas que amaba. O bien, una mezcla entre una copia de Vogue y una película, como un fotograma cinematográfico, pero la modelo llevaría algo que era importante para la revista, y todo combinado se convirtió en algo nuevo. Y esa es probablemente la razón por la que hay interés en mi trabajo, porque no es solo una referencia a otros fotógrafos del pasado, o del Renacimiento, o incluso solo del cine. Tengo una mente de urraca, veo algo en un lugar y algo más en otro, y luego construyo una imagen que es personal pero que también hace referencia a otras cosas que me interesan.
Sobre el tema de la realización de películas, sé que dirigió algunos videos musicales en el pasado. ¿Es eso algo de lo que te imaginas más? ¿O tal vez pasar al cine?
"Cuando tuve la oportunidad de ser fotógrafo … estaba muy emocionado de poder hacer también fotografías que parecían imágenes fijas de las películas que amaba".
Miles Aldridge
Nunca diría nunca, pero hice los videos pop incluso antes de que tomara una cámara, así que probablemente fue hace unos 25 años. Tuve mucha suerte de caer en esa carrera, y lo hice durante un par de años. No fui muy bueno y la gente fue muy paciente conmigo; básicamente me dejaron jugar con una cámara de cine. Pero aprendí mucho sobre cómo hacerlo. Aprendí mucho sobre la construcción de decorados y la creación de estos espacios cinematográficos. Aprendí un poco sobre iluminación hablando con los camarógrafos con los que estaba trabajando. También aprendí a gestionar un gran grupo de personas, un gran set en un gran rodaje. La mayoría de estos videos tenían alrededor de 30 personas haciendo diferentes tareas, y en mis sesiones ahora probablemente haya una cantidad similar de personas. Siempre es una gran producción.
Creo que fue muy útil para hacerme cuestionar si realmente quería ser cineasta, porque me resultó muy difícil poner una firma en la imagen cuando estaba haciendo videos pop. Cuando era fotógrafo, sentía que podía hacer algo donde realmente lo había firmado, como si fuera mi imagen. Creo que hacer cine es un proceso mucho más colaborativo; realmente tienes que trabajar con el director de fotografía como director, y ellos van a tener una gran influencia en cómo se ve todo. Tienes que dejar ir una parte de tu propia estética. Entonces, como hice eso primero y encontré que era una gran lucha, cuando llegué a la fotografía, donde era esencialmente el director, el productor y el camarógrafo al mismo tiempo, sentí que tenía esta autonomía que no había tenido antes. .
Además, me gustó la forma en que se veían las fotografías, lo que quiero decir en una revista. A medida que comencé a trabajar más, comenzaron a incluirse en libros y galerías, y ahora incluso en museos. Y eso me gustó en comparación con un video pop, que en ese entonces solo se veía en televisión. Ahora lo verías en YouTube, quizás en tu iPhone. Para mí, el resultado final fue algo que me interesó. Estaba muy feliz de hacer algo que creara una impresión, algo que perdurara, algo que era más hermoso de ver que en una pantalla de televisión o un iPhone, que creo que un manera desagradable de ver las cosas.
En ese punto, si hubiera un artista que me gustara que quisiera un video pop y hubiera libertad para ser creativo, estaría interesado. Pero al igual que todas estas otras cosas de las que estamos hablando, creo que a la industria de la música le han arrancado las tripas financieramente, por lo que tendrías problemas.
Este año hablarás en The Photography Show. ¿Qué tienes planeado?
Todavía estoy jugando con lo que quiero discutir, pero lo he llamado 'Color de Miles Aldridge'. Creo que el color es un tema infinitamente fascinante en la fotografía. Me encanta coleccionar libros y revistas de fotografía antiguos, y ver cómo han evolucionado los colores en diferentes películas a lo largo de la historia de la fotografía.
"Creo que si solo te inspiras en otros fotógrafos, probablemente solo tendrás un poco de éxito con esa táctica".
Miles Aldridge
El obvio aquí para discutir es Kodachrome. A lo largo de las décadas de 1940 y 1950, e incluso de la de 1960, la gama tonal de esa película fue extraordinaria y creó un tono de piel que ha sido muy difícil de replicar desde entonces. Disparo con película Kodak en negativo en color y trato de procesarla en posproducción para darle la misma calidad que me encantaba de esas primeras fotografías.
Hablaré sobre cómo el color tiene un efecto en la imagen y cómo funcionan los colores en la fotografía para mí. Cuando estoy iluminando un sujeto, por ejemplo, me gusta mucho poner un elemento de azul o verde en las sombras, por lo que hay una especie de frialdad en las sombras y un poco más de calidez en las luces. Así que hablaré de cosas sutiles como esa, y también de cómo un bloque de color puede tener un efecto increíble en la imagen cuando choca con otro, y cómo llevo eso a la imagen trabajando con mis escenógrafos, make- hasta artistas, estilistas y peluqueros antes del rodaje. Entre nosotros colaboramos y creamos una paleta.
A menudo pinto acuarelas y también hago bocetos por adelantado, y con eso puedo visualizar cómo quedará una fotografía. Cuanto más hago eso, más confianza tengo en la sesión de que los colores se mantendrán unidos y darán una buena estética. No quiero simplemente hacer algo que se sienta seguro y agradable. Prefiero agregar algunos colores más y hacer una paleta más desestabilizada. Eso es lo que estoy tratando de conseguir, algo que a primera vista puede ser demasiado, pero a medida que trabajas con él puedes orquestarlo y componerlo para que algunos de los colores que no pensaste podría trabajar terminar funcionando. Creo que así es como creas imágenes modernas.
Siempre estoy al tanto del pasado, ya sea una pintura renacentista de hace quinientos años o una película de David Lynch de la década de 1980. Tengo un gran catálogo de referencias visuales, pero estas solo te llevarán hasta cierto punto; creo que realmente necesitas experimentar. Puedes experimentar en el estudio fotográfico hasta cierto punto, pero cuando estás en un estudio con otras 30 personas, no querrás que todo el mundo te esté esperando. Así que trato de hacer mucho de eso por mi cuenta.
¿Diría que su charla será más beneficiosa para alguien que hace retratos y quiere comprender mejor el color? ¿Quizás alguien que quiera experimentar y correr riesgos creativos?
Tal vez sí. Obviamente, creo que la charla atraerá a las personas a las que les gusta mi trabajo. No estoy seguro de cómo puedo influir en ellos con respecto a su propia carrera; realmente depende de ellos tomar algo de mi trabajo, de la misma manera que he tomado fragmentos de Avedon y Newton, etc. Con suerte, también habrá algunas buenas historias allí. Mi carrera ha sido un encuentro largo e interesante con varias personas, tratando de hacer que las cosas sucedan. Todo ha sido muy divertido, pero no se hace al vacío. Está hecho con muchas otras personas.
Supongo que mucha gente no necesariamente aprecia el ejército de personas detrás de hacer que esa imagen funcione. Simplemente ven el nombre de los fotógrafos y lo consideran suyo.
Posiblemente sí. Al final del día, el fotógrafo tiene que firmarlo. Es un esfuerzo de colaboración y su trabajo es muy apreciado, pero es el fotógrafo el que tiene que firmarlo y vive o muere de los talentos del fotógrafo.
¿Qué kit sueles usar?
Disparo casi exclusivamente con una cámara Rolleiflex 6008. Las lentes que suelo usar con esa cámara son una lente de 90 mm, que es mi lente de referencia, y hay una lente de 120 mm, que también uso mucho. Esos son los dos que utilizo principalmente. También utilizo una lente de 180 mm si necesito acercarme más, y probablemente vaya tan ancha como una de 50 mm.
Disparo con iluminación Broncolor y todo es flash. Me gusta el Flooter que hacen (arriba), que es una versión de Hollywood Frenel.
Disparo con película Kodak Ektar 100 ASA. Realmente no tomo muchas fotografías digitales, pero cuando lo hago, tiendo a tomar fotografías con una Leica S con algunos objetivos fijos. Creo que las Leica tienen una mejor interpretación fílmica que las otras marcas.
Miles Aldridge hablará en The Photography Show el 20 de marzo. Haga clic aquí para obtener más información y reservar entradas