La fotografía de alimentos ha cobrado una nueva vida en los últimos años. Ya no es un nicho exclusivo de los libros de cocina y los menús de los restaurantes baratos: las redes sociales han hecho de la fotografía de alimentos uno de los géneros más populares en la forma de arte, y cocinar (e incluso comer) la comida a menudo es secundario.
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La situación actual de bloqueo hace que la fotografía de alimentos sea una opción aún más atractiva para los fotógrafos frustrados que no pueden dirigirse al mundo real. Con poco más que su kit de cámara principal y las superficies de su cocina, puede crear algunas tomas de aspecto realmente delicioso.
Si bien los principios generales tienen mucho en común con la fotografía de bodegones y productos, fotografiar alimentos tiene muchas trampas. De cualquier manera, necesitará bases sólidas de teoría y técnica fotográfica, ¡y obviamente la práctica hace al maestro! Al igual que cocinar tu plato favorito, hacer las cosas bien puede ser mucho más complicado de lo que parece.
Para llevarlo por el camino correcto al capturar sus creaciones culinarias, fuimos a la cocina con el fotógrafo gastronómico profesional Ewen Bell para examinar tanto el equipo como las habilidades clave para obtener tomas que sean tanto un festín para los ojos como para el estómago…
1. Trabaja con buena luz
El error más común es intentar fotografiar alimentos bonitos con mala luz. Las cámaras ven la luz, no los sujetos, ¡incluso cuando ese sujeto es delicioso!
La fotografía de alimentos siempre comienza con la luz. La luz perfecta es suave, abundante y angulosa. Quieres mucha luz para jugar, pero definitivamente no quieres que la luz solar directa entre en la escena; es demasiado duro y contrastado. La mejor mesa del restaurante tiene el asiento junto a la ventana, con luz del día brillante afuera y solo luz filtrada que entra.
Este escenario convierte la ventana en una gran caja de luz, llenando la mesa con luz útil que ofrece una variedad de ángulos de disparo. El punto de partida es disparar en ángulo a través de la fuente de luz. Ese ángulo da suficiente contraste para revelar detalles en la escena y resalta los colores. No tiene que rellenar el lado opuesto de la escena con un tablero de rebote o flash de relleno, porque puede iluminar las áreas subexpuestas de las imágenes sin procesar cuando procesa los archivos; a menudo es más rápido y más preciso para precisar. sintonice los archivos sin procesar que tratando de hacerlo perfecto en la cámara.
A medida que cambia su ángulo, crea una calidad de luz diferente para la escena. Cuanto más dispares a la luz, más contraste y dramatismo crearás. La riqueza del color se reduce, los negros se endurecen y algunas áreas pueden incluso estallar, y eso es aceptable para el estilo, si lo que está buscando es dramatismo.
Alternativamente, cuando cambia su ángulo para que la luz venga un poco más detrás de usted, la escena se llena más y el contraste se aplana. Al controlar el ángulo en el que dispara con respecto a la ventana, también controla el contraste y el color, incluso cuando la luz es muy, muy suave.
No importa qué tan increíble se vea tu comida en un plato si la luz no te funciona; la buena comida con mala luz genera fotos fallidas. Con la luz adecuada, por otro lado, se puede hacer que casi cualquier escena parezca atractiva.
2. Editando tus tomas
El tratamiento de sus archivos Raw es tan importante como el rodaje. Los colores más naturales a menudo son el resultado de suavizar la saturación, o incluso retroceder un poco; Si tiene problemas con el equilibrio de color, es probable que tenga la saturación marcada demasiado alta.
Con luz muy plana, es posible que deba aumentar un poco el contraste para dar dureza a los bordes; agregar contraste solo en el extremo negro del histograma ayudará a preservar los tonos en otras partes de la escena.
Además, los detalles de las sombras se pueden eliminar para equilibrar la escena. Asegúrese de usar ajustes selectivos para agregar exposición o más detalles de sombra si los elementos críticos se pierden en la sombra.
3. Considere el flash
El problema de depender de la luz natural al fotografiar alimentos es que no siempre es tan natural. Los árboles en el exterior pueden arrojar tintes de color a la escena, las luces interiores pueden agregar puntos de color a la habitación y el movimiento de las nubes a lo largo del día puede causar cambios dramáticos en el contraste y las temperaturas de color.
Nunca obtendrá una luz blanca limpia y agradable a menos que traiga la suya propia. El equipo de flash aportará consistencia a su fotografía y reducirá el esfuerzo de procesamiento. Las luces estroboscópicas fiables entregan el color exacto y la cantidad de luz de un fotograma al siguiente. Si está grabando contenido durante varios días, pero necesita que la apariencia de cada fotograma sea consistente, entonces el flash de estudio es el camino a seguir.
Además de ser muy práctico y confiable, una vez que tenga su equipo flash bajo control, estará libre para concentrarse en su creatividad. La escala es fundamental aquí. Así como disfrutamos de una luz suave, abundante y en ángulo en el asiento de la ventana de un restaurante, intentamos lograr el mismo resultado en el estudio.
Se requiere una caja de luz grande, alimentada por una fuente de luz suficientemente capaz. 100 W de flash son más que suficientes para grabar una escena de mesa y sacar momentos de inspiración dentro de ella.
Los flashes que funcionan con baterías pueden hacer el trabajo, pero quemará las baterías y su regeneración es dolorosamente lenta a medida que se agota la energía. Por el mismo precio que un flash decente, puede comprar kits monobloque que ofrecen una unidad enchufable con un receptor incorporado; simplemente conéctelo a la red eléctrica y deslice el disparador en su cámara, y estará listo para comenzar.
Una fuente de luz confiable es esencial, al igual que la consideración de cómo desea dar forma a la luz. Las cajas de luz para fotografía de alimentos deben ser muy grandes y ofrecer cantidades generosas de difusión interna. Debe acercar la caja de luz a la escena, lo más cerca posible para mantener la luz lo más difusa posible.
Si sus cajas de modelado de luz no son lo suficientemente suaves y hay demasiado contraste en la escena, simplemente agregue una pantalla difusora adicional entre la comida y el flash.
4. Detener el movimiento
La iluminación constante del equipo de flash de estudio es perfecta para hacer clips cortos en stop-motion del ensamblaje o presentación paso a paso de un plato.
Bloquee la cámara en un trípode y bloquee el enfoque y la exposición; necesita que sean los mismos para cada escena. Realice pequeños ajustes entre fotogramas para imitar una escena en movimiento.
Procese los archivos sin procesar a la perfección antes de generar los fotogramas individuales, luego lleve las imágenes fijas a su herramienta de edición de video y use transiciones suaves para suavizar el movimiento.
5. Toda la magia ocurre a 50 mm.
El campo de visión de una lente de 50 mm es el punto ideal para la fotografía de naturaleza muerta, incluida la comida. A medida que su campo de visión se amplía, como 35 mm, comienza a tener problemas de perspectiva, y cuanto más amplio dispara, más cerca necesita acercarse, lo que puede exagerar aún más la perspectiva. También resulta difícil controlar el fondo con una lente más ancha; no siempre querrás que el resto de la habitación quede atraído por el marco.
Reducir el campo de visión con un teleobjetivo también puede ser un problema. Las distancias focales más largas, como 100 mm, comprimirán la escena; puede perder la sensación de profundidad y sus composiciones pueden parecer planas. Los lentes más largos también crean problemas logísticos cuando trabaja en espacios reducidos, ya que es posible que no tenga espacio para retroceder lo suficiente para tomar una foto.
Todo funciona mucho mejor cuando comienzas con 50 mm. Si está filmando con un sensor de fotograma completo, la otra ventaja de 50 mm es que hay muchos primos asequibles en el mercado.
Una apertura de f / 2 es ideal, y es tentador usar un 24-70 mm f / 2.8 si ya tiene uno, pero entonces no disfrutará del efecto completo de un lente fijo en f / 2, y usted También tienes que lidiar con una lente grande y torpe que puede ser un lastre para tu proceso creativo.
El objetivo equivalente para las cámaras APS-C es un 35 mm f / 1.4, o para las cámaras micro cuatro tercios un 25 mm f / 1.4. cuanto más pequeño sea el sensor de su cámara, mayor será la profundidad de campo que obtendrá en un f-stop dado, por lo que es posible que desee experimentar yendo hasta f / 1.4 en lugar de f / 2 con estos cuerpos de cámara más pequeños. La diferencia entre f / 2 yf / 2.8 es significativa para el bokeh de fondo, y es aún más pronunciada en f / 4.
Disparar con poca profundidad consiste en llamar la atención sobre un elemento de la escena, y el grado en el que se disuelve el resto de la escena es esencial para la composición.
Su profundidad de campo también se expande a medida que se aleja del sujeto, por lo que cuanto más grande sea la escena que filme a 50 mm, más al sur tendrá que soltar el f-stop para obtener el grado de desenfoque deseado.
Disparar af / 4 puede parecer dramático cuando su marco es del tamaño de una taza de té, pero ofrece un impacto cero una vez que da un paso atrás para capturar una mesa completa.
6. Considere la escala
Tenemos una tendencia, cuando tenemos una lente en la mano, a seguir avanzando hacia adentro, tratando de ajustar la composición eliminando todas las cosas que no queremos en la escena. Este es un proceso reductivo. Terminamos con composiciones muy simplistas y sin idea de dónde nos equivocamos.
El truco para crear composiciones más ricas y detalladas con naturaleza muerta y comida es dar un paso atrás y traer más al encuadre, no menos. No se trata solo de una lente diferente, es una perspectiva diferente; pensar en grande es mejor. Nos obsesionamos con lo que hay en el plato, sin darnos cuenta de que se ofrece una escena más grande.
Al retroceder un poco, te encuentras disparando a la mesa, no al plato. Ahora tienes opciones para tus composiciones. Retroceda un poco más y tendrá un restaurante, no solo la mesa. En cada nivel de escala, obtienes diferentes opciones de composición.
Dar un paso atrás le permite poner el plato en un contexto más amplio, con espacio para incluir un sentido de lugar. Cuando se trabaja en el estudio, es un error común mantener la escala pequeña. Limitarse a una fracción de un banco, o una pequeña pieza de madera contrachapada que pintó para que parezca madera desgastada, también está limitando su creatividad.
Para obtener grandes resultados, debe pensar en algo más grande que una caja de pan. Ampliar la escala de su zona de disparo también le permite dejar espacio para varios platos. Un plato ofrece muchas menos opciones que dos o tres.
Con múltiples del mismo plato en una mesa o banco de estudio, crea el potencial para composiciones en capas. A medida que te mueves, encontrarás tomas dentro de la escena, y esos múltiplos de un plato te brindan múltiples momentos de inspiración.
7. Incluye una pequeña acción
La naturaleza muerta no tiene por qué estar quieta cuando se trata de comida. Pon un poco de movimiento en la escena y dale vida. La captura de movimiento dentro de sus escenas agrega impacto a una buena composición, por ejemplo, el vertido de líquidos, el vapor que sale de los platos calientes o simplemente el rociado de sal en un plato.
Además, la preparación de la comida y las personas que la preparan son elementos geniales para incluir en una serie de fotos. Desordenado es magia; una sensación de caos en una cocina, o ingredientes en un banco de trabajo, agregan interés.
8. Dale estilo a la toma
La construcción de una composición interesante requiere un espectro de enfoques, con el estilo de la comida en un extremo y el fotoperiodismo en el otro. Puede crear la escena exacta que desee desde cero utilizando accesorios y estilo, o puede buscar momentos dentro de una escena que ya existe en el mundo real; los mejores resultados a menudo provienen de una combinación de los dos.
El estilo es una habilidad dedicada: en una sesión comercial, el estilista puede ganar más que el fotógrafo. Los estilistas aportan sus accesorios e ideas y, por lo general, el concepto del rodaje en general descansa principalmente en sus manos.
El fotógrafo tendrá que tomar la iniciativa, manipular la luz a su favor y asegurarse de que la escena final sea técnicamente competente.
Como fotógrafo, es un placer trabajar con un buen estilista, porque llevan gran parte de la carga creativa. Con el estilista preparando la escena, puede dedicar su atención a la tarea de encontrar la composición ideal; que una persona se encargue tanto de la fotografía como del estilo puede ser exigente, ya que su cerebro está saltando entre dos tareas y usted. es posible que no pueda completar con éxito ninguno de los dos a su satisfacción.
Cuando filmas en exteriores, es importante tener en cuenta qué parte del personaje original del restaurante o la cocina quieres trasladar a las imágenes. Los imperativos del fotoperiodismo dictan que reveles la naturaleza de tu tema, mientras que el estilo es un intento de crearlo a través del arte. En la práctica, siempre hay un grado de ambos.
Me gusta "disparar alrededor de la escena" cuando visito un restaurante u otro lugar. Le pido al personal que coloque las mesas como lo harían para los invitados y que presente los platos con los vinos servidos; quiero ver cómo presentan su trabajo. Con una mesa completamente vestida, empiezo a buscar elementos dentro de la escena.
Busco un "héroe" y busco composiciones que atraviesen múltiples elementos. Y luego podría comenzar a diseñar la mesa un poco, no mucho, solo un poco. Hago ajustes, elimino distracciones y agrego capas al fondo. Hago esto con sesiones de locación y cuando trabajo con un estilista en el estudio.
La combinación de estos dos enfoques genera diversidad en las imágenes que puede recopilar y abre la puerta a composiciones innovadoras que son inesperadamente gratificantes.
9. Recuerda usar accesorios.
La clave para un gran estilo de comida es tener accesorios a mano para complementar la escena. Si planeas filmar mucho en el estudio, querrás comenzar a recolectar algunos accesorios interesantes para darle vida a tus escenas.
Los ingredientes de una receta se pueden utilizar como accesorios, así como también como vajilla y vajilla. Las personas también pueden actuar como accesorios. Piense en las manos involucradas en la escena, o tal vez en el personal de la cocina que manipula un plato: la ampliación para disparar más amplia deja espacio para llevar esos accesorios a la composición.
El accesorio adecuado puede agregar contexto a una escena, como una taza de té y tazas junto con una rebanada de pastel. Los accesorios también se pueden usar para agregar con cuidado colores específicos a una escena que embellezca el tema principal.
10. Toma el control total
Lo que hace que la fotografía de alimentos sea tan diferente a otros géneros es el grado de control que tienes sobre el tema. Puedes hacer casi cualquier cosa que te guste en la escena, ¡incluso puedes comértela! Es fácil controlar la luz sobre una escena del tamaño de una mesa, en comparación con filmar un estudio completo o esperar el amanecer sobre un paisaje.
La comida no tiene por qué hacer una pose o dar una expresión; se sienta allí y acepta silenciosamente la atención sin moverse. Dentro de los límites, por supuesto, tenga cuidado con el helado, ya que puede derretirse en minutos si no está listo para el trago.
La escala y la naturaleza inanimada de la fotografía de alimentos significa que tiene excelentes oportunidades para la composición. Es un gran género para explorar el uso del color, la perspectiva y la repetición.
No sienta que necesita todos los colores del arco iris en un solo cuadro; en su lugar, intente trabajar inicialmente con una paleta de colores limitada y encuentre formas de repetir los colores en la escena. Y usa más de un plato en tu estilo, aprovechando una escala más grande e ideas más grandes.
Cambie su perspectiva mientras dispara: pruebe la vista de arriba hacia abajo, pero luego busque diferentes ángulos que revelen más o menos ciertos elementos.
La fotografía de alimentos se presta para disparar con conexión, y es una buena idea trabajar con una computadora portátil y un cable de conexión en el estudio o en el lugar. Es una gran ventaja en comparación con la visualización solo en la cámara, porque obtiene una respuesta mucho mejor sobre las variaciones sutiles en sus tomas y una confirmación más precisa de dónde está golpeando su profundidad de campo.
Además, la claridad de una gran pantalla de computadora portátil también le brinda mejores representaciones de sus composiciones, junto con su tratamiento de procesamiento preferido a medida que cada fotograma sale de la cámara. Sin embargo, la regla principal es comenzar siempre con la luz; no importa lo interesante que sea la comida si no tienes buena luz. Apunta a una luz suave, abundante y en ángulo.
A medida que cambia su perspectiva, también puede cambiar su ángulo de luz, como agregar sal y pimienta para condimentar un plato, cambiar su ángulo es afinar la sensación de la toma.
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